El imperio de los sentidos

CaixaForum de Barcelona expone dos creaciones de Team Lab, la mayor factoría de arte visual inmersivo del mundo

El reto de los creadores digitales es encontrar un lenguaje artístico propio más allá de la fascinación por la tecnología

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La relación entre técnica y arte es tan antigua como su propio origen. La Grecia clásica asimilaba ambos conceptos (tékne) y de esa imbricación han surgido lenguajes artísticos tan imprescindibles como la música, la fotografía o el cine.

Cuando técnica y arte combinan sus capacidades y encuentran el equilibrio y la razón de ser de cada una de ellas se inician nuevos caminos creativos. Cuando la tecnología ejerce una posición de dominio y delega lo artístico al mero acompañamiento lo que surge acostumbra a ser efímero y banal.

Es el riesgo que corren las experiencias que se sustentan en el uso intensivo de la tecnología como las artes digitales o las creaciones basadas en inteligencia artificial. Quedar atrapadas en la fascinación por la técnica y limitar la experimentación a descubrir las posibilidades del invento.

Ocurre algo parecido con las experiencias inmersivas que mediante sofisticadas técnicas de luz, sonido e interacción sumergen al público en atmósferas sensoriales y cautivadoras.

Actualmente, el máximo exponente del arte visual inmersivo es el equipo japonés de Team Lab. Sus cifras son espectaculares. Más de 600 personas en su equipo (ingenieros, artistas…), tres museos permanentes (dos en Japón y uno Shanghai) y multitud de instalaciones y exposiciones por todo el mundo. Las cifras de visitantes que acuden a ellas baten récords. Su museo permanente de Tokio, el Mori Building Digital Art Museum, recibió 2,3 millones de visitantes en su primer año, lo que lo convierte en el museo de un solo artista más popular de 2019, superando al Museo Van Gogh en Amsterdam, que registró 2,1 millones de personas.

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Una muestra en el Caixaforum de Barcelona

El CaixaForum de Barcelona ha logrado traer una pequeña muestra de las creaciones de Team Lab que estará abierta hasta enero de 2022.

Consta de dos instalaciones ubicadas en salas contiguas. Una es “Born from the darkness, a loving, and beautiful world” que proyecta diversos ideogramas en medio de una evocación oscura de la naturaleza. Si te detienes ante uno de ellos y extiendes la mano aparecen imágenes que evocan aves entre los árboles, mariposas en busca de flores… 

La otra es Graffiti nature: lost, immersed and reborn”, toda una selva de colores habitada por una variedad de criaturas vegetales y animales. Los visitantes pueden explorar el entorno, observar su funcionamiento e interactuar con él: las flores crecen cuando estamos quietos y se dispersan al caminar; las mariposas vuelan entre flores, los cocodrilos mueren si los pisas e incluso podemos dibujar un animal en un papel, escanearlo y soltarlo para que corra por las paredes.

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Aunque no son, ni de largo, las instalaciones más espectaculares de Team Lab, el proceso no ha resultado fácil. 

Uno de los grandes retos ha sido instalar toda la infraestructura tecnológica necesaria sin perforar el techo modernista del espacio, la antigua fábrica Casaramona, hoy sede del CaixaForum. Para ello, se ha tenido que construir una subestructura de la que cuelgan 60 proyectores y 50 altavoces. Todo dirigido desde Tokio por el equipo de Team Lab que no pudo viajar a Barcelona a causa de la pandemia.

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La fórmula del éxito

Team Lab nació en 2001. Durante los primeros años se las desearon para financiar sus proyectos pero en los últimos diez no han parado de crecer. 

Más allá de su capacidad de experimentación, el éxito les ha llegado gracias a su habilidad de crear espacios interactivos y de inmersividad sensorial y al diseño de una envoltura artística destinada a gustar al gran público, especialmente el familiar. Sus instalaciones sorprenden a los visitantes gracias a una amplia gama de efectos visuales espectaculares a los que acompañan música e iconografía orientales. 

Salvando las distancias, Team Lab recuerda en algunos aspectos al Cirque de Soleil que en los noventa y la década del 2000 modernizó el mundo del circo con artistas de gran nivel técnico, una espectacular y cuidada puesta en escena y una música amable de reminiscencias también orientales. Como en la compañía de circo canadiense, en Team Lab no hay artistas individuales. Todas las creaciones son colectivas y se agrupan al servicio de una marca que define un estilo identificable y único. Y al igual que el Cirque de Soleil, los creadores japoneses se aferran a reproducir con ligeras variaciones la fórmula que les ha llevado al éxito.

Hay quien se pregunta si Team Lab pertenece al mundo del arte visual o al del entretenimiento, o tal vez al de la perfomance. En el mundo de la innovación creativa que trata de romper fronteras y encasillamientos, la pregunta parece improcedente. Qué más da en qué casilla colocarlos. Sin embargo, una cosa son las propuestas creativas que tienden a la multidisplinariedad y a la hibridación y otra cosa distinta los circuitos y mercados, siempre rígidos y estructurados. El arte se crea sin temor a los límites pero se vende cuando sabe encuadrarse en la casilla adecuada. 

A pesar de su carácter multidisciplinar, Team Lab se ha esforzado en reivindicar su pertenencia al mercado del arte. Su reconocimiento definitivo llegó cuando de la mano de Ikkan Sanada, experto asiático en arte contemporáneo, se incorporó al circuito artístico internacional y sus creaciones fueron reclamadas por museos internacionales de primer nivel.

En sus presentaciones se reivindican creadores de nuevas formas artísticas. Su deseo explícito es “explorar, a través del arte, las múltiples posibilidades, la libertad de decisión de cada visitante” para que desaparezca el límite entre la obra y el espectador. Reivindican “una nueva forma de exponer y relacionarnos con el arte. Los visitantes dejan de ser observadores pasivos y pasan a convertirse en parte activa de sus creaciones”. Tienen proyectos de gran envergadura para involucrar al público. Toda una declaración de identidad artística. 

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Tímidas voces críticas

La crítica no sabe muy bien a qué atenerse. La mayoría apoya la novedad de las aportaciones de Team Lab, su espectacularidad, su dominio de la tecnología, su habilidad de crear sensaciones y de cautivar al público pero también surgen algunas tímidas voces no tan entusiastas. 

Se les critica, por ejemplo, la aparente falta de complejidad conceptual, la prioridad que dan al ingenio tecnológico y las limitaciones de su propuesta artística que consiste esencialmente en una abrumadora animación visual de paredes y pantallas a base de imágenes y pinturas que reproducen la tradición icónica japonesa como la de Itō Jakuchū (1716-1800)

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Desde sus inicios han ido exprimiendo y experimentando las posibilidades de nuevos tipos de proyectores, sistemas interactivos, efectos visuales y entornos acústicos pero su orientación artística se mantiene anclada en sus propuestas iniciales siempre conectadas con el mundo oriental, bellas, amables y complacientes. 

Se les critica que la innovación tecnológica se impone sobre la propiamente artística y conceptual lo que les lleva a no arriesgar más de lo necesario y a un cierto reduccionismo formal que se conforma con ambientar las sorprendentes posibilidades de la técnica.

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La inmersividad reducida a lo sensorial

Es indiscutible que con Team Lab el arte visual inmersivo ha dado un salto de magnitud. La inmersividad alcanza grandes espacios, atrae al público y se liga definitivamente a la experiencia sensorial y al desarrollo tecnológico.

Sin embargo, de la mano de estas propuestas tan espectaculares y triunfantes, el concepto de inmersividad se va reduciendo paulatinamente a los efectos sensoriales que produce el uso ingenioso de la técnica audiovisual.

Dice Carles Sora, experto en medios digitales y diseño interactivo, en un artículo publicado en 2006 por el CCCB que “quizás esta vivencia no esté tan estrechamente vinculada a las tecnologías digitales como nos parece. Debemos tener en cuenta que la inmersión intelectual está presente en la ancestral transmisión oral de cuentos o en la lectura. La narración es eminentemente inmersiva. Ni siquiera el espacio de representación envolvente es una novedad, ya que tradicionalmente algunas formas pictóricas pretendían generar esta sensación ocupando todo el espacio arquitectónico y requerían de nuestro desplazamiento en su exploración.”

Quien esté interesado en conocer las últimas tendencias puede leer “Experiencias inmersivas culturales. Formatos y tendencias” de Irina Gretsova y Joan Sibina en que detallan doce formatos inmersivos, la mayoría de ellos ligados a las tecnologías de proyección, realidad virtual y aumentada e inteligencia artificial.

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Las propuestas inmersivas actuales abren posibilidades muy estimulantes para la creatividad pero corren el riesgo de quedar sometidas a la fascinación tecnológica, apuntar únicamente a lo sensorial y dejar que el predominio de la tecnología acelere su carácter efímero. Lo que hoy es novedad mañana tal vez parecerá obsoleto. Los cocodrilos de Team Lab que hoy desaparecen bajo los pies pueden resultar anacrónicos y aburridos para los niños que en los próximos años habrán descubierto sorpresas mayores.

¿Hay algo realmente genuino en el arte visual inmersivo que vaya más allá de la novedad y la sorpresa?

Esta es la pregunta que deben afrontar los nuevos creadores que, como Team Lab, apuestan por lo digital como medio de expresión. Descubrir un lenguaje artístico propio que trascienda la tecnología, que sepa sacarle partido a lo digital, que explore todas sus posibilidades, que use la técnica como recurso creativo y no como el substituto cautivador de una limitada ambición conceptual. La creación artística como objetivo y no como recurso para decorar la tecnología.

Joan Rosés